A diretora e roteirista discute sua estreia, Blue Heron, um comovente retrato de luto, memória e história familiar inspirado nela seu próprio passado
Escritor-diretor Sofi Romvari fala comigo no final da turnê norte-americana de divulgação de sua estreia, o notável Garça Azul. “Parece realmente acessar a vulnerabilidade das pessoas de uma forma que não sei como expressar, porque é um grande presente, mas também muito pesado”, reflete ele, descrevendo as primeiras exibições “mais frias” do filme. “É estranho ficar grato pelas pessoas estarem chorando, mas é claro que estou muito feliz em saber que as pessoas estão tão abertas a aceitar o filme.”
Blue Heron começa acompanhando Sasha (Eylul Guven), de oito anos, durante um verão dos anos 90. À medida que a sua família de imigrantes húngaros se instala numa nova vida na Ilha de Vancouver, o comportamento errático do irmão mais velho de Sasha, Jeremy (Edick Bentoes), aumenta de forma alarmante. Mais tarde, o filme se volta para o que Romvari chama de “sua versão” de uma história de maioridade, enquanto a adulta Sasha (Amy Zimmer) luta contra a morte de Jeremy fazendo um documentário. Inspirado na história da própria família de Romvari, Blue Heron trabalha através do luto e da memória, confundindo o passado real e imaginário.
A natureza imperfeita de Memória e o desejo de revisitar as suas paisagens e artefactos revelaram-se um terreno fértil para Romvari, que passou a última década a realizar aclamadas curtas-metragens documentais híbridas. O extraordinário apelo emocional de Blue Heron convidou alguns a vê-lo como pura autobiografia, mas Romvari desconfia desse impulso. “Não posso recriar meu irmão, não posso recriar este momento da minha vida. A precisão é muito limitada, especialmente quando você está tentando interpretar uma pessoa.”
Romvari está mais interessado em que tipo de “verdade emocional” o envolvimento com o passado pode revelar. Estamos falando sobre a ideia de que não há dois irmãos que tenham os mesmos pais, que de alguma forma não temos os mesmos pais que os nossos eus mais jovens. Buscando entender o irmão, Sasha enfrenta essa desconexão de frente: “Sempre quis mostrar essa lacuna entre a infância e a idade adulta; o que você entende quando criança e como isso é reinterpretado na idade adulta”.
A Garça Azul preenche essa lacuna em uma cena, quando uma Sasha adulta atende o telefone para sua mãe sitiada, ligando dos anos 90. É um soco no estômago que arrasta o filme para um registo diferente, realçando a sua construção à medida que a desestabiliza. A Sasha adulta de alguma forma tem acesso literal ao passado, revisitando aquele verão em um ato de viagem no tempo tão simples quanto entrar no carro e dirigir até lá. “Acho que tradicionalmente este filme teria sido um cruzamento entre as duas linhas do tempo”, reflete Romvari, mas foi “estruturalmente muito inspirado, a ideia de passar da infância à idade adulta e visualmente justaposto, mas com essa frustração de que você não pode mudar as coisas”.
Visualmente, Romvari se inspirou nos vídeos caseiros do próprio pai: “Eles foram filmados de forma muito artística e bonita, muitas vezes à distância, com muito zoom, porque ele nunca tentou interromper.A diretora de fotografia Maja Bankovic usa a distância para capturar o estado de alerta de uma criança, ampliando lentamente para mostrar como Sasha está sintonizada com a agitação em casa. Mas Romvari também queria mostrar as coisas que Sasha poderia fazer não realisticamente, eles tiveram acesso a. “siporque quando eu conceitualizo a memória, muitas delas são coisas que realmente não vimos. São coisas que você imagina ou ouve, ou talvez uma imagem que você viu.”
A busca pela documentação está presente em todo o filme – em fotografias e seus negativos, vídeos caseiros, gravações de áudio, arquivos de casos e até mesmo em objetos que se tornam pontos de referência que conectam o passado e o presente. “Há um tema para todas as coisas que herdamos”, diz Romvari, que em determinado momento do filme faz o pai de Sasha colocar silenciosamente uma câmera de vídeo nas mãos de sua filha durante uma crise. O rosto de Guven transmite uma bela mistura de alarme e apreciação, e sentimos o peso do objeto nas suas mãos. “(Eu sou) sempre tenta encontrar uma razão prática (para esses ritmos emocionais)”, explica ela.
Uma sequência comovente surgiu de um workshop que Romvari realizou com um grupo de assistentes sociais, usando os arquivos de sua própria família: “Foi um processo muito orgânico, que depois tomou forma na forma como foi apresentado (…) Foi apenas uma das maneiras pelas quais tentei usar uma ferramenta documental e torná-la parte da forma de ficção”. A carga emocional dessa fusão é poderosa e se reflete na maneira como Romvari e Zimmer “realmente co-criaram o personagem. (Foi) muito simbiótico, eu acho: Sasha, Amy, Sophy, todos integrados neste personagem Persona.” Essa duplicação ao estilo de Bergman também reflete o público, refletindo nossas próprias emoções na tela.
Qualquer pessoa familiarizada com o fio emocional do luto, ou com a luta de amar alguém em crise, encontrará sua agitação atual em Blue Heron. Mas Romvari diz que o filme a ajudou a ter uma perspectiva sobre seus próprios sentimentos complicados em relação ao irmão. Falamos sobre como o filme considera intencionalmente a raiva, que é “o que mais luto para sentir”, diz o diretor. ele dizespecialmente quando você lamenta: “Você não quer atribuir esses sentimentos a alguém, especialmente se você não tem mais acesso a eles (…) Uma das razões pelas quais estou feliz por ter feito este filme (agora) é porque tive mais perspectiva e fui capaz de deixar essa raiva de lado e fazer uma versão mais compassiva”.
É de partir o coração ver Sasha e sua família lidarem com sua frustração e seu desejo de ajudar Jeremy, que está claramente vivendo com algum tipo de distúrbio comportamental não diagnosticado. Os pais húngaros de Sasha lutam para navegar em um sistema de bem-estar social em linguagem tanto clínica quanto estrangeira, e o próprio Jeremy é fechado: com apenas uma linha de diálogo no filme, ele não quer e é incapaz de externalizar seu mundo interior.
Em última análise, o documentário de Sasha torna-se uma intervenção. Assumindo o papel de assistente social, ela registra secretamente sua visita aos pais na década de 90. Há um elemento de realização de desejo neste ato final, que brinca com a ideia de viajar no tempo para chegar ao encerramento, mas no final o filme deixa claro os limites da travessia de nossas memórias. A atuação de Zimmer nessas cenas está entre os destaques do ano. Transmite perfeitamente a aceitação agridoce de Sasha de que ela não pode mudar conscientemente um passado que está sempre sendo remodelado.
O filme termina com duas cartas – uma dando a Sasha “uma oportunidade de apresentar suas descobertas” e outra de um velho amigo de Jeremy, que Sasha lê em voz alta. “É a primeira vez que ouvimos falar de Jeremy de uma perspectiva não clínica”, diz Romvari, “e foi importante terminar com uma nota humanizadora”. Para Sasha, a carta oferece uma perspectiva fora da sua, que parece livre e ressoa com a profunda empatia de Romvari por seus personagens e pelo espectador. O passado não tem uma verdade fixa, parece dizer o filme. sempre há novos caminhos por ele.
The Blue Heron chega aos cinemas do Reino Unido em 26 de junho.
